Paul Bley


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Canadian-born white pianist Paul Bley (1932), who relocated in 1950 to New York to study at a prestigious school of music and was hired by Charlie Mingus in 1952, was honored, at the young age of 21, by Mingus on double-bass and Art Blakey on drums on his debut trio sessions, Introducing Paul Bley (november 1953), that already featured some of his inspired originals (Opus 1, Spontaneous Combustion) but was still under the influence of Lennie Tristano's bebop style.
Bley began to emancipate his performance from that cliche' on Solemn Meditation (1957), another quartet but with Dave Pike on vibraphone and Charlie Haden on double-bass (his recording debut). In 1957 Bley married composer Carla Borg, moved to Los Angeles and formed a quintet with Ornette Coleman (alto saxophone), Don Cherry (trumpet), Billy Higgins (drums) and Charlie Haden (double bass), documented on The Fabulous Paul Bley Quintet (october 1958), that straddled the line between bebop and free improvisation (a Coleman piece is titled Free). A trio with bassist Steve Swallow and drummer Pete LaRoca on Footloose (september 1963) evoked the contemporary experiments of Tristano and Bill Evans with a set of graceful vignettes (including Carla Bley's Floater and King Korn). Next came the quartet of Turning Point (march 1964), with Sun Ra's tenor saxophonist John Gilmore, double bassist Gary Peacock and drummer Paul Motian, that again flirted with free jazz but remained within the boundaries of cool jazz (notably in Paul Bley's Turns and Carla Bley's Ida Lupino and Syndrome). The influence of Ornette Coleman was more visible on Barrage (october 1964), entirely composed by Carla Bley (who also manipulated the tapes in studio to produce a thicker sound), for a quintet with Sun Ra's alto saxophonist Marshall Allen, trumpeter Dewey Johnson, bassist Eddie Gomez and drummer Milford Graves. But the composer was to be credited more than the players with the success of Barrage and Ictus.
Paul Bley came into his own with a trio formed in 1965. Abandoning all previous influences, the ten short vignettes of Closer (december 1965), mostly composed by Carla Bley (but Annette Peacock debuted as a composer with Cartoon) and accompanied by Steve Swallow on bass and Barry Altschul on drums, were in the spirit of a romantic, lyrical chamber jazz, almost "ambient music" ante-litteram. Bley continued to record in the trio format (with drummer Barry Altschul and either Kent Carter or Mark Levinson on bass) for a while: Touching (november 1965), containing Carla Bley's Start and Peacock's Touching; Ramblin' (july 1966), containing Peacock's lengthy Albert's Love Theme and Touching; Blood (october 1966), which was mostly a Peacock album (notably Blood and Mr Joy); Virtuosi (june 1967), the most atmospheric and sophisticated of them all, with Gary Peacock on bass and containing even longer interpretations of two masterful Annette Peacock compositions, Butterflies (16 minutes) and Gary (17 minutes); Ballads (july 1967), maybe even too baroque in its delicate slow-motion mood sculpting vein (Peacock's 17-minute Ending and 12-minute So Hard It Hurts). In 1967 Paul Bley divorced Carla Bley and married another top-notch composer, Annette Peacock. The combination of Bley's smooth trio sound and Annette Peacock's elegant melodies coined a new genre, that would make the label ECM rich.
But Bley was ready to move on again. Annette Peacock became a key member of Bley's new ensemble, playing the most unusual of instruments, the synthesizer, next to Bley's electric piano. She was, in fact, one of the very first musicians to use a synthesizer (which was still a very complex machine) and probably the first one to take it on a tour. The Synthesizer Show, as their ensemble was called, recorded several pieces that eventually found their way to several milestone recordings: Revenge (november 1969), divided into a side played by the Bley-Peacock-Altschul trio (Mr Joy, Daddy's Boat, Dream) and a side played by Annette Peacock and her new ensemble (not featuring Bley) which marks the beginning of Peacock's solo career, and in which she also does her very first raps (Loss Of Consciousness, Nothing Ever Was Anyway, I'm The One); Improvisie (march 1971), with Paul Bley on synthesizer, Annette Peacock on vocals and piano, Han Bennink on percussion (which contains two lengthy improvisations, the 16-minute Improvisie and a 24-minute version of Touching); Dual Unity (march 1971), featuring Paul Bley on synthesizer and piano, Annette Peacock on piano and vocals, Han Bennink on drums and Mario Pavone on double bass (Richter Scale being the most representative and loudest of the four tracks, and the 17-minute MJ being the n-th version of Mr Joy); and the inferior The Paul Bley Synthesizer Show (march 1971), that does not feature Peacock anymore, but features an all-Peacock program.

But this "synthesizer show" had been mostly Annette Peacock's personal show. Bley returned to the "ambient" sound he had pioneered during the trio years with a solo piano album, Open To Love (september 1972), titled yet again after a Peacock composition (and one of her best). Most of the material was made of old Carla Bley and Annette Peacock compositions, but the delivery was now emphasizing the spatial ambience and the spiritual side of things.
After divorcing Peacock, Bley formed a new trio, Scorpio (november 1972), playing electric and electronic keyboards next to Altschul and double-bassist Dave Holland, and converting to the jazz-rock style in vogue at the time, but in a rather shallow manner. Bley's erratic career flirted with free jazz on Quiet Song (november 1974), with guitarist Bill Connors and clarinetist Jimmy Giuffre, returned to the Scorpio sound on Pastorius Metheny Ditmas Bley (june 1974), that marked the recording debut of both guitarist Pat Metheny and bassist Jaco Pastorius, and occasionally revived his trio with Peacock and Altschul, for example on the live 33-minute Japan Suite (july 1976).
He seemed more interested in innovating in other formats, particularly the visual one: in 1974 he formed a company with video artist Carol Goss to produce videos in the same improvised manner as the music was produced by free-jazz musicians.
By far his most influential output was in the format of the impressionistic piano piece: Alone Again (august 1974), finally relying mostly on his own material, Axis (july 1977), containing his lengthy Axis, Tears (may 1983), Tango Palace (may 1983).
Continuing to pursue his vision of baroque chamber jazz music, Bley formed a quartet with Swallow, Altschul and guitarist John Scofield for Hot (march 1985), one with Motian, guitarist Bill Frisell and saxophonist John Surman for Fragments (january 1986) and The Paul Bley Quartet (november 1987), the latter containing his 20-minute Interplay, and yet another one with Surman, Gary Peacock and drummer Tony Oxley for In The Evenings Out There (september 1991), and even reformed the trio with Gary Peacock and Paul Motian for Not Two Not One (january 1998). Annette (april 1992) featured Bley (piano), Gary Peacock (double bass) and Franz Koglmann (flugelhorn and trumpet) performing Annette Peacock's compositions arranged by Franz Koglmann. But mostly he continued to explore the piano on intimate recordings such as: Blues For Red (may 1989), Changing Hands (february 1991), Sweet Time (august 1993), Hands On (march 1993), Synth Thesis (september 1993), accompanying himself at the synthesizer, Basics (july 2000), Solo in Mondsee (april 2001), Nothing to Declare (may 2003), that (abandoning his favorite "fragment" format) indulged in four lengthy improvisations, etc.

12+6 In a Row (may 1990) collects solos, duets and trios with Koglmann and Hans Koch.

Paul Bley updated the language of Bill Evans to a new generation, even before that generation was born.

Bremen & Stuttgart 1961 (november 1961) documents the trio of Jimmy Giuffre (clarinet), Paul Bley (piano) and Steve Swallow (double bass).

Bley died in January 2016.

(Translation by/ Tradotto da Gianfranco Federico)

 

 

La pianista bianca di Oakland Carla Borg (1938) sposò Paul Bley nel 1957 e si trasferì con lui a Los Angeles. Dopo aver composto Bent Eagle per Stratusphunk (1960) di George Russell e Ictus per Thesis (1961) di Jimmy Giuffre, divenne la principale compositrice per il proprio marito, scrivendo: Floater e King Korn su Footloose (1963), Ida Lupino e Syndrome su Turning Point (1964), l’intero Barrage (1964), la maggior parte di Closer (1965), Start su Touching (1965). Lasciò Paul Bley nel 1965 per il trombettista Michael Mantler.

 

Mantler e Bley formarono una grande orchestra jazz piena di star, la Jazz Composers' Orchestra, che debuttò con Communication (aprile 1965) e Jazz Composers' Orchestra (giugno 1968) ottenendo un immenso successo di critica. Tra questi due album, Mike Mantler alla tromba, Steve Lacy al sassofono soprano, Carla Bley al piano e due bassisti registrarono Jazz Realities (gennaio 1966), che include Oni Puladi della Bley (l’habanera Ida Lupino suonata al contrario).

Quelle collaborazioni sarebbero state sufficienti per definirla una delle maggiori figure della decade, ma compose anche  l’intero A Genuine Tong Funeral (1967) di Gary Burton e la maggior parte di Liberation Music Orchestra (1969) di Charlie Hayden, due pietre miliari del jazz. Alla fine della decade poteva contendersi il titolo di più grande compositore jazz vivente insieme a Mingus ed Ellington.

La sua immagine pubblica era alquanto schizofrenica, da una parte una pubblicità vivente per lo stile di vita bohémien della generazione hippie, dall’altra una modernista austera e intransigente. Le sue ambizioni compositive collidevano chiaramente con l’estetica del free-jazz, sebbene ella mostrasse una certa affinità ideologica con il free-jazz. Forse queste contraddizioni furono precisamente ciò che rese la sua musica così unica e potente.

Bley superò qualunque cosa avesse fatto fino a quel momento con la colossale opera jazz Escalator Over The Hill (giugno 1971), il risultato di tre anni di registrazioni, uno dei più grandi album nella storia della musica jazz. La grande orchestra venne nientedimeno strutturata in quattro orchestre. L’Orchestra vera e propria (e la Hotel Lobby Band) era un’unità di 19 elementi con Carla Bley (piano), Jimmy Lyons (sassofono alto), Gato Barbieri (sassofono tenore), Chris Woods (sassofono baritono), Michael Mantler e Enrico Rava (trombe), Roswell Rudd, Sam Burtis e Jimmy Knepper (tromboni), Jack Jeffers (trombone basso), Bob Carlisle e Sharon Freeman (corni francesi), John Buckingham (tuba), Nancy Newton (viola), Karl Berger (vibrafono), Charlie Haden (basso), Paul Motian (batteria), Roger Dawson (congas), Bill Morimando (capanelli, celeste). La Desert Band includeva Bley (organo), Don Cherry (tromba), Souren Baronia (clarinetto), Leroy Jenkins (violino), Calo Scott (violoncello), Sam Brown (chitarra), Ron McClure (basso) e Motian (percussioni). The Original Hotel Amateur Band comprendeva Bley (piano), Mantler (valve trombone), Motian (batteria), Michael Snow (tromba), Howard Johnson (tuba), Perry Robinson and Peggy Imig (clarinetto), Nancy Newton (viola), Richard Youngstein (basso). Jack's Traveling Band comprendeva Carla Bley all’organo e il power-trio John McLaughlin (chitarra), Jack Bruce (basso) and Paul Motian (batteria). Infine, la “silent music” era eseguita da Michael Mantler al  piano preparato, Don Preston al sintetizzatore e Carla Bley ad organo, celeste e calliope. I cantanti spaziavano dalla star del country Linda Ronstadt alla vocalist d’avanguardia Jeanne Lee. Il risultato di Bley, che combina jazz, elettronica, rock e musica indiana, era di proporzioni wagneriane, e coniugava pathos e epos in un modo che non era mai stato provato prima nella musica jazz. Molti dei brani erano brevi, come un lattice di idee mutevoli, ad eccezione di Hotel Overture, Rawalpindi Blues e la chiusura And It's Again. Le sue strutture intricate, dissonanti, instabili e multi-stilistiche miravano ad una rifondazione della musica jazz.

In confronto, Tropic Appetites (febbraio 1974) era una mini-opera per cantanti (Julie Driscoll, Karen Mantler) e settetto jazz (Gato Barbieri al tenore, Michael Mantler alla tromba e al trombone, Howard Johnson al clarinetto, al sassofono e alla tuba, Toni Marcus al violino e alla viola, Dave Holland al basso e violocello, Carla Bley al piano e all’organo, Paul Motian alle percussioni), ma l’escursione stilistica non era più mozzafiato, da What Will Be Left Between Us and the Moon Tonight? a Indonesian Dock Sucking Supreme a Song of the Jungle Stream. L’impostazione umile spostò l’enfasi dal caos creativo e dal trasporto emotivo verso timbri impressionistici ed esplorazioni di texture.

Bley dimostrò di poter eccellere anche nella musica neoclassica con la lirica 3/4 per piano e orchestra, su Michael Mantler - Carla Bley (agosto 1975).

Dinner Music (settembre 1976) era la versione di Bley della musica pulita (Sing Me Softly of the Blues, A New Hymn e Song Sung Long), con lei stessa, Mantler, Richard Tee (piano), Carlos Ward (sassofono alto e tenore e flauto), Roswell Rudd (trombone), Bob Stewart (tuba), e una sezione ritmica di due chitarre, basso e batteria.

Il suo mood sembrava essersi rilassato considerevolmente, e Musique Mecanique (novembre 1978) fu l’ultima prova, quasi un divertissment per dieci elementi. Musique Mecanique, di 23 minuti e in tre movimenti, e Jesus Maria and Other Spanish Strains erano composizioni bizzarre ma non molto cerebrali (e di frequente spiritose), sottolineate dai solo del sassofonista tenore Gary Windo e del trombonista Roswell Rudd. Gli altri musicisti (oltre a Bley e Mantler) includevano Alan Braufman alle ance, John Clark al corno francese, Bob Stewart alla tuba, Terry Adams al piano, Steve Swallow e Charlie Haden al basso e Eugene Chadbourne alla chitarra. Come tutti i suoi lavori migliori, questo era sia jazz, sia rock, sia musica classica, pur essendo blasfemo nei confronti di tutti questi generi.

L’anno seguente Bley sembrò perdere la propria determinazione (più che l’ispirazione), alternando lavori in diversi campi: Fictitious Sports (ottobre 1979) di Nick Mason, l’album “solista” del batterista dei Pink Floyd (prevalentemente composto da lei), la fusion jazz-rock di Live (agosto 1981), il tentetto giocoso I Hate To Sing (agosto 1981), con brani da cartone animato come I Hate To Sing e Lone Arranger, la colonna sonora del film Mortelle Randone (dicembre 1982). L’unico album che la riportò alla sua vecchia disciplina fu Social Studies (dicembre 1980), messo in luce da una postmoderna Reactionary Tango, composta per un surreale ensemble di nove elementi (Bley, Mantler, Ward, Valente, Swallow, sax tenore, eufonio, tuba, batteria).

Il lato ambient/melodico della sua arte tornò alla ribalta con l’avventurosa musica per tentetto di  Heavy Heart (ottobre 1983), che contava sul sintetizzatore di Bley e sul trombone di Valente, più che sugli altri fiati (la tromba di Mantler, tuba, flauto, sassofono) e sulla delicata sezione ritmica (il piano di Kenny Kirkland, la chitarra di Hiram Bullock, il basso di Steve Swallow e due percussionisti), per scolpire le atmosfere rilassate di Heavy Heart e Light or Dark. Night-Glo (agosto 1985), accreditato sia a Bley sia a Swallow (e il primo senza Mantler), era musica lounge per yuppies. La fusione matura tra Bley e Swallow fu formalizzata dal Sextet (dicembre 1986) con il chitarrista Hiram Bullock, il pianista Larry Willis e due percussionisti, in particolare in The Girl Who Cried Champagne e Healing Power.

L’album a due con Swallow, Duets (estate 1988), dedicato in gran parte a vecchio materiale, e Go Together (marzo 1992) evidenziarono il suo talento melodico, ma poco altro.

Eppure, Bley non aveva dimenticato l’orchestra. Very Big Carla Bley Band (ottobre 1990), con quattro solisti (Valente, il trombettista Lew Soloff, il sassofonista Wolfgang Puschnig e Andy Sheppard) fallì nel resuscitare lo spirito originale di Carla Bley, nonostante i 15 minuti di United States e soprattutto di All Fall Down. Dreamkeeper Suite, di 17 minuti, per il terzo album dei Liberation Music di Charlie Haden, Dreamkeeper (aprile 1990), fa un po’ meglio. L’orchestra di 18 elementi di Bley (gli stessi quattro solisti, principale aggiunto il violinista Alex Balanescu) fa ancora meglio nella suite di 20 minuti Birds of Paradise su Big Band Theory (luglio 1993). Degno di nota anche per una big band era Setting Calvin's Waltz, di 24 minuti, sul live Goes To Church (luglio 1996).

Un trio con Swallow e Sheppard pubblicò il semi-serio Songs With Legs (maggio 1994), con Wrong Key Donkey.

Le sue composizioni davvero serie (Tigers in Training di 19 minuti, End of Vienna di nove minuti, Wolfgang Tango di 14 minuti) apparirono finalmente su Fancy Chamber Music (dicembre 1997), con Bley al piano, una sezione di strumenti a corda (violino, viola, violoncello, basso), flauto, clarinetto e percussioni.

Il ritorno alla forma continuò con 4x4 (luglio 1999), per un doppio quartetto di sorta (Bley al piano, Larry Goldings all’organo, Steve Swallow al basso, Victor Lewis alla batteria, Lew Soloff alla tromba, Wolfgang Puschnig al sax alto, Andy Sheppard al tenore, Gary Valente al trombone), che conteneva Blues in Twelve Bars e Les Trois Lagon, in tre movimenti.

Looking For America (ottobre 2002), un lavoro per big band con gli stessi quattro solisti ai fiati, era una satira politica con un alto grado di sofisticazione, come dimostrato dal collage post-moderno di 22 minuti National Anthem.

Bley mise insieme un quartetto con Sheppard, Swallow e il batterista Billy Drummond su The Lost Chords (ottobre 2003). Esso era occupato prevalentemente da due suite: 3 Blind Mice, che metteva in mostra la sua conoscenza della tradizione blues e jazz, e Lost Chords, che esibiva la poetessa melodica Bley nel suo stato d’animo più romantico.

Appearing Nightly (agosto 2006) comprendeva Earl Gardner, Lew Soloff, Florian Esch alla tromba, Beppe Calamosca, Gary Valente, Gigi Grata, Richard Henry al trombone, Roger Jannotta, Wolfgang Puschnig, Andy Sheppard, Christophe Panzani , Julian Arguelles ai sassofoni, Karen Mantler all’organo, Steve Swallow al basso e Billy Drummond alla batteria. Il suo fulcro è una fantasia in quattro movimenti ispirata dal lounge e dal jazz da dancehall degli Anni Cinquanta.

The Black Orchid (2005) era una sorta di concept autobiografico.

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