Decemberists


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Castaways and Cutouts (2002), 7/10
Her Majesty (2003), 6.5/10
The Tain (2004), 7.5/10 (EP)
Picaresque (2005), 7/10
The Crane Wife (2006), 6/10
The Hazards of Love (2009) , 5/10
The King Is Dead (2011), 5/10
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The Decemberists are a quintet from Portland (singer-songwriter Colin Meloy of Montana-based Tarkio, keyboardist Jenny Conlee, guitarist Chris Funk, bassist Jesse Emerson, drummer Rachel Blumberg) that reinvented pop music from a scholarly viewpoint. The six-song EP Five Songs (2001) already displayed an unusual balance of brainy lyrics and simple melodies: Oceanside, Shiny, My Mother Was a Chinese Trapeze Artist, Angel, Won't You Call Me?, I Don't Mind, The Apology Song.

Castaways and Cutouts (Hush, 2002 - Kill Rock Stars, 2003 - Jealous Butcher, 2005) is a collection of infectious pop constructions, ranging from the lively folk-rock of July July a` la Turtles to the Mersey-beat march and soaring refrain of The Legionnaire's Lament to the Kurt Weill-ian cabaret sketch of A Cautionary Song. They rank with the best of Neutral Milk Hotel. However, the real soul of the album and of the group lies in the laid-back moody moments, that vastly outnumber the effervescent ones: the quietly solemn country-rock of Leslie Anne Levine, the desolate lament with gospel organ of Here I Dreamt I Was an Architect the soul-rock shuffle with accordion and organ Odalisque, the sleepy piano-based lounge ballad of Cocoon, the subdued serenade Grace Cathedral Hill, culminating with the ten-minute quasi-psychedelic meditation of California One Youth and Beauty Brigade.

Her Majesty (Kill Rock Stars, 2003) is less entertaining, probably because it was recorded with less acumen and patience, but it still contains its dose of catchy melodies (Billy Liar, Song For Myla Goldberg), as well as more pensive and elaborate compositions (the seven-minute The Gymnast High Above the Ground, the seven-minute I Was Meant for the Stage). Half way between the two are simple singalongs enhanced with eccentric music: The Chimbley Sweep nods at music-hall and Parisian street music, the accompaniment of Shanty for the Arethusa could have been lifted from a western-movie soundtrack. They occasionally slip into moronic balladry (Los Angeles I'm Yours, The Bachelor and the Bride) that only proves the limitations of the whole project.

The EP The Tain (Acuarela, 2004) contains the eponymous 18-minute five-movement track, a folk-rock hymn for the post-nuclear age that borrows from blues, country, rock, soul, Indian and vaudeville modes. It would remain the zenith of their art, and one of the milestones of that era. The EP will be collected on The Tain/Five Songs (Jealous Butcher, 2004).

Picaresque (Kill Rock Stars, 2005), wth John Moen on drums and Petra Haden on violin, demonstrated Colin Meloy's growth as a singer and arranger, and the band's generally inspired mood. If the most visible facet of their art is the stately folk-pop cavalcade The Infanta (one of their most captivating creations), they run the gamut with classic elegance and simplicity from the romantic Turtles-like ditty We Both Go Down Together to the melancholy Eli the Barrow Boy), drenched in the pathos of a medieval British ballad; from the bouncing rhythm of The Sporting Life, that evokes the party music of Tamla Motown and the Supremes, to the sophistication of the seven-minute The Bagman's Gambit, that harkens back to the emphatic progressive-rock of the 1970s. The spectrum is enormous. Rarely has one voice covered so much territory while searching for its soul. The arrangements change all the time: the funereal Leonard Cohen-ian From My Own True Love, the trotting rhythm'n'blues 16 Military Wives (possibly the most hummable refrain), the tragicomic, cabaret-tish, nine-minute fantasia The Mariner's Revenge Song. This album is a tour de force of emotional storytelling.

Their fourth album, The Crane Wife (2006), turned out to be their most experimental yet, thanks to the rambling multi-part suites: the 12-minute The Island and the 12-minute The Crane Wife.

The rock opera The Hazards of Love (2009) feels like a mess. The songs are shaped by an army of distinguished guests (Robyn Hitcock, My Morning Jacket's Jim James, the Spinanes' Rebecca Gates, Lavender Diamond's Becky Stark, My Brightest Diamond's Shara Worden) but mostly those songs sound dysfunctional, as if the guests had been called as a necessity (to a fundamentally flawed composition) rather than an add-on. Mostly the mood is subdued, and the musicians don't seem excited at all: diligent but detached. Hence we get the folk-tinged power-ballad The Hazards Of Love 1 (a less hsyterical version of Led Zeppelin's ventures in that genre); the roaring and limping folk-rock of Won't Want For Love (with Becky Stark on vocals); the polite lullaby Isn't It A Lovely Night? (like Donovan fronting a country-rock combo); the stereotypical country elegy The Hazards Of Love 4. The opera wakes up with The Wanting Comes In Waves, initially smothered in harpsichord tones but rescued in a vehement bluesy register by Shara Worden over gritty bar-band jamming; with The Rake's Song, the only song that lives up to the rock pathos of the Who's Tommy; the galopping The Abduction Of Margaret; and another majestic blues by Shara Worden, The Queen's Rebuke, boasting the slowest and dirtiest riffs of the album. The orchestration is occasionally ambitious (the Prelude for funereal organ, closed by celestial synthesizer and a string trio, or Annan Water, that lines up dulcimer, church organ, zither, accordion, mandolin, hurdy gurdy, autoharp, synthesizer, or the neoclassical rondo The Hazards Of Love 3 for harpsichord, children's choir and strings), but has to work with mediocre melodies. The opera has its moments of charm, but mostly it ends up being just background pop muzak when it aimed at being a profound statement.

The King Is Dead (2011) retreated decisively into country-rock with Don't Carry it All (a dead ringer for Neil Young's Harvest) and the anthemic Down By the Water (halfway between the Band and the Byrds via R.E.M.). A few detours into spartan folk meditations, notably the impressionistic Donovan-esque January Hymn, attest to the sincerity and passion of the project.

(Translation by/ Tradotto da Stefano Lucarelli)

I Decemberists sono un quintetto di Portland (cantante-autore Colin Meloy, tastierista Jenny Conlee, chitarrista Chris Funk, bassista Jesse Emerson, batterista Rachel Blumberg) che hanno reinventato la musica pop da un punto di vista erudito. L'EP di 5 brani Five Songs (2001) mostrava già un insolito bilanciamento di testi intelligenti e melodie semplici: Oceanside, Shiny, My Mother Was a Chinese Trapeze Artist, Angel, Won't You Call Me?, I Don't Mind, The Apology Song.

(Translation by/ Tradotto da Andrea Marengo)

Castaway And Cutouts (Hush, 2002 - Kill Rock Stars, 2003 - Jealous Butcher, 2005) è una collezione di contagiose costruzioni pop che spaziano dal vivace fok rock alla maniera dei Turtles di July July, al ritornello Mersey-beat marciante e librante di The Legionnaire's Lament, allo schizzo cabarettista "Kurt Well-iano" di A Cautionary Song: queste tracce si avvicinano ai migliori lavori dei Neutral Milk Hotel. Nonostante ciò la vera anima dell'album e del gruppo giace tra i momenti rilassati che superano in numero gli effervescenti primi: il country-rock quietamente solenne di Leslie Anne Levine, il triste lamento accompagnato da organo gospel di Here I Dreamt I Was An Architect, lo shuffle soul-rock con fisarmonica e organo di Odalisque, la dormiente ballata piano-lounge di Cocoon, e la sommessa serenata di Grace Cathedral Hill, che culmina con i quasi dieci minuti di meditazione psichedelica di California One/Youth and Beauty Brigade.

Her Majesty (Kill Rock Stars, 2003) probabilmente perché registrato con minore perspicacia e pazienza, è meno coinvolgente del primo, anche se contiene, comunque, la sua quantità di melodie orecchiabili (Billy Liar, Song For Myla Goldberg), nonché composizioni più riflessive ed elaborate (i sette minuti di The Gymnast High Above The Ground e di I Was Meant For The Stage). A metà strada tra le due canzoni vi sono semplicemente degli accompagnamenti vocali migliorati da una musica eccentrica: The Chimbley Sweep accenna la music-hall e la musica di strada parigina, l'accompagnamento di Shanty For The Arethusa potrebbe essere emerso dalla colonna sonora di un film western. Occasionalmente essi si rivelano incapaci nel comporre ballate (Los Angeles I'm Yours, The Bachelor And The Bride) che si limitano ad evidenziare i limiti dell'intero progetto.

L'EP The Tain (Acquarela, 2004) raccoglie l'eponima traccia, suddivisa in cinque movimenti, di diciotto minuti, un inno folk-rock per l'era post-nucleare che spazia fra blues, country, rock, soul, modulazioni indiane e vaudeville. Esso resterebbe la vetta della loro arte, nonché una delle pietre miliari del periodo. L'EP sarà poi raccolto su The Tain/Five Songs (Jealous Butcher, 2004).

Picaresque (Kill Rock Stars, 2005) con John Moen alla batteria e Petra Haden al violino, manifestava la crescita di Colin Meloy in qualità di cantante e arrangiatore, nonché la vena generalmente ispirata del gruppo. Se l'aspetto più visibile della loro arte è l'imponente cavalcata di The Infanta (una delle loro creazioni più ammalianti), il gruppo copre un ampio raggio con eleganza classica e semplicità grazie alla romantica canzonetta "Turtles-iana" di We Both Go Down Together, alla malinconica Eli The Barrow Boy, imbevuta nel pathos di una ballata medievale inglese, al ritmo vivace di The Sporting Life, che ricorda la musica da festa della Tamla Motown e delle Supremes, alla ricercatezza dei sette minuti di The Bagman's Gambit, che rimanda all'enfatico rock progressivo degli anni settanta. La gamma di varianti è enorme. Raramente una voce ha ricoperto un così grande territorio indagando la propria anima. Gli arrangiamenti cambiano continuamente, come avviene per l'ispirazione funerea alla maniera di Leonard Cohen di From My Own True Love, per l'r&B di 16 Military Wives (che presenta forse il ritornello più canticchiabile), e per i nove minuti della tragicomica fantasia cabarettista di The Mariner's Revenge Song. Questo album è un tour de force di narrazioni emozionanti.

Il loro quarto album, The Crane Wife (2006), risultava fino a quel momento il più sperimentale, grazie alle sue sconnesse suite in più parti: i dodici minuti di The Island e i dodici di The Crane Wife.

La rock opera The Hazard Of Love (2009) appare piuttosto disordinata. Le canzoni sono sviluppate da un esercito di ospiti illustri (Robyn Hitchcock, Jim James dei My Morning Jacket, Rebecca Gates degli Spinanes, Becky Stark dei Lavender Diamond, Shara Worden dei My Brightest Diamond) benché la maggior parte di queste canzoni risultino nell'insieme disfunzionali, come se gli ospiti fossero stati richiamati più per necessità (come per migliorare, fondamentalmente, una composizione difettosa) che come componenti aggiuntivi. La vena del gruppo è in buona parte mitigata, mentre i musicisti non sembrano particolarmente animati: essi sono diligenti, ma poco collaborativi. Da questo album si hanno la power-ballad folk di The Hazard Of Love 1 (una versione meno isterica delle avventure dei Led Zeppelin in quel genere); il folk ruggente e zoppicante di Won't Want For Love (con Becky Stark alla voce), l'elegante ninnananna di Isn't It A Lovely Night? (che somiglia ad un duetto fra Donovan e un complesso country-rock); l'elegia country stereotipica di The Hazard Of Love 4. L'opera si ridesta con The Wanting Comes In Waves, inizialmente repressa da note di clavicembalo, poi salvata da un violento registro blues di Shara Worden che vi innesta una coraggiosa jam da bar-band; The Rake's Song, la sola traccia all'altezza del pathos rock di Tommy degli Who; la galoppante The Abduction Of Margaret; mentre un'altro imponente blues di Sarah Worden (The Queen Rebuke), vanta i riff più lenti e sporchi dell'album. L'orchestra è occasionalmente ambiziosa (il preludio è suonato da un organo funereo affiancato ad un sintetizzatore celestiale e ad un terzetto d'archi; Annan Water da un dulcimer, un organo da chiesa, uno zither, una fisarmonica, un mandolino, un hurdy gurdy, un autoharp e un sintetizzatore; così come il rondò neoclassico di The Hazards Of Love 3 per clavicembalo, coro di bambini e strumenti ad arco), ma ha a che fare con melodie mediocri. L'opera gode momenti di fascino, ma nella maggior parte dei casi in cui punta ad esprimere un sentimento profondo, finisce col risultare muzak pop da sottofondo.

The King Is Dead (2011) retrocedeva decisivamente nel country-rock con Don't Carry It All (una copia di Harvest di Neil Young) e l'inno di Down By The Water (a metà strada fra Band, Byrds e R.E.M.). Qualche deviazione nelle spartane meditazioni folk autentica la sincerità e la passione del progetto (notevole è l'impressionismo "Donovan-iano" di January Hymn).

(Copyright © 2003 Piero Scaruffi | Legal restrictions - Termini d'uso )
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