Tim Hecker

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Haunt Me Haunt Me Do It Again (2001), 6.5/10
Presents Radio Amor (2003), 7/10
Mirages (2004), 6/10
Mort Aux Vaches (2004), 5.5/10
Harmony in Ultraviolet (2006), 6.5/10
An Imaginary Country (2009) , 5/10
Ravedeath, 1972 (2011), 7/10
Dropped Pianos (2011), 5/10
Virgins (2013), 5/10
Love Streams (2016), 5/10
Konoyo (2018), 5/10
Anoyo (2019), 5/10

Tim Hecker is an electronic musician from Montreal (Canada) that belongs to the school of ambient glitch-electronica. Haunt Me Haunt Me Do It Again (Alien8, 2001), akin to Christian Fennesz' digital manipulation of guitar sounds on Hotel Parallel and +47 Degrees 56'37" - 16 Degrees 51'08, and the EP My Love Is Rotten To The Core (Alien8, 2002) manipulate samples and field recordings. Music for Tundra (a concerto for tinkling drones and random glitches) and Arctic Lover's Rock (a sonata of crackling musique concrete), off the album, do more than mimick Oval and Pan Sonic: they positively create a style and an aesthetic by layering cliches into organic, romantic creatures. The Work Of Art In The Age Of Cultural Overproduction pushes the envelop, crafting rumbles, rattles and grates that defy the imagination but manage to sculpt a magniloquent atmosphere. On the other hand October and Ghost Writing are calm ambient watercolors, a genre in which Hecker gives a miniature masterpiece with the delicate timeless Boreal Kiss. A ghostly landscape is evoked by the strident distorted melody of City In Flames, the fluctuating funereal drones of Borderlines and the rustling background of Night Flight To Your Heart. Each piece comes with one or two appendixes that clarify/confuse its meaning, the difference between clarification and confusion being purely subjective.

Presents Radio Amor (Mille Plateaux, 2003 - Alien 8, 2007) digs deeper into the natural texture of the sounds that the composer is artificially producing. Song of the Highwire Shrimper basically applied the austere aesthetic of the piano sonata to Hecker's stream of digitally processed tones, achieving both more depth and more movement. Spectral is a subtle meditation on self-hypnosis that sounds like a blurred and warped version of Terry Riley's Rainbow in Curved Air. Azure Azure bridges two worlds by revealing that the alter ego of its swirling nebula of musique concrete is a a wild Jimi Hendrix-ian solo of glissandoes; and then making the two-headed creature drown into a black hole.
Hecker explores a number of narrative manners in this album. Jimmy shows how the simple loop technique can be used to create a piece with enough dynamics to qualify as a "song". I'm Transmitting Tonight highlights the power of variation in a stable framework. 7000 Miles juxtaposes a highly visible foreground and a busy background that is not immediately perceived, each carrying powerful psychological implications. Careless Whispers tells a story by transforming itself from a pulsating darkness into a hissing luminescence. The closer, Trade Winds White Heat, makes a point of dissolving a simple sonata into static radio interference.

Mirages (Alienate, 2004) and Mort Aux Vaches (Staalplaat, 2004) worked the same magic on a smaller scale.

His techno and hip-hop project Jetone released Autumnmonia (Pitch Cadet, 2000), which contains the charming Shear/refract, and Ultramarin (Force Inc, 2001), which contains Phoedra IV.

Harmony in Ultraviolet (Kranky, 2006) marked a further refinement of Hecker's studio prowess but somehow failed to attain the same degree of elegance and sophistication of the early works. It occasionally does create poignant atmospheres: the dense floating mass of Stags Aircraft Kings and Secretaries, the fibrillating metallic spiderweb of Dungeoneering, the distorted glissando-like transmission of Radio Spiricom, the violent melodic warping of Whitecaps of White Noise I, that sounds like the remix of a baroque piece done by a serial killer (Chimeras also evokes a baroque feeling), and the four watery parts of Harmony in Blue. But they mostly remain isolated icebergs of unemotional matter, regardless of how interesting the sonic qualities may be. The shorter pieces, then, sound perfectly redundant. Hecker fails to tell a story. His music sounds like the equivalent of a craftsman who lays his polished tools on the table. Hecker neglects to take the next step: building something with those tools.

The 10" mini-album Atlas One (Audraglint, 2007) offered one of his best "concrete" symphonies.

Fantasma Parastasie (Alien8 Recordings, 2008) was a collaboration between Aidan Baker and Tim Hecker.

His most "gentle" and contemplative work yet, An Imaginary Country (Kranky, 2009) felt like a collection of sketches for romantic sonatas. His brand of "romanticism" remained a fairly abrasive one, but the noisescapes for guitar, synthesizer and laptop had been replaced by more humane constructs with mellotron and strings, and by a general trend towards engagement instead of collision. This also means that Hecker relies a lot more on droning and repetition, which inevitably sounds either monotonous or meandering, and only occasionally (Sea Of Pulses) achieves emotional pathos. The lugubrious crescendo of Where Shadows Make Shadows is a case in point: it doesn't do much more than repeat itself for eight minutes with slight variations.

(Translation by/Tradotto da Alessio Morrone)

Tim Hecker è un artista di musica elettronica proveniente da Montreal (Canada) che fa parte della scuola ambient glitch-electronica. Haunt Me Haunt Me Do It Again (Alien8, 2001), ispirato dalla manipolazione digitale di suoni di chitarra contenuti in Hotel Parallel e +47 Degrees 56'37" - 16 Degrees 51'08, e sull'EP My Love Is Rotten To The Core (Alien8, 2002) pubblicati da Christian Fennesz, manipola campionamenti e field recordings. Music for Tundra (un concerto per droni tintinnanti e glitch irregolari) e Arctic Lover's Rock (una sonata di musica concreta crepitante), contenute nell'album, sono più di un'imitazione di Oval e Pan Sonic: creano addirittura uno stile ed un'estetica stratificando stereotipi in creature organiche e romantiche. The Work Of Art In The Age Of Cultural Overproduction schiaccia l'involucro, costruendo rumori, sonagli e cigolii che sfidano l'immaginazione ma riescono a scolpire un'atmosfera magniloquente. D'altra parte October e Ghost Writing sono tranquilli acquerelli ambient, un genere nel quale Hecker regala un capolavoro in miniatura con l'elegante ed eterna Boreal Kiss. Un paesaggio spettrale è evocato dalla stridula melodia distorta di City In Flames, dai fluttuanti droni funerei di Borderlines e dallo sfondo frusciante di Night Flight To Your Heart. Ogni brano presenta una o due appendici che chiariscono/confondono il suo significato, essendo la differenza tra chiarezza e confusione puramente soggettiva.

Presents Radio Amor (Mille Plateaux, 2003 - Alien 8, 2007) scava profondo nella naturale tessitura dei suoni che il compositore sta artificialmente producendo. Song of the Highwire Shrimper fondamentalmente applica l'austera estetica della sonata per pianoforte al flusso di suoni processati digitalmente da Hecker, raggiungendo maggior movimento e profondità. Spectralè un'acuta meditazione sull'auto-ipnosi che suona come una versione sfocata e distorta di Rainbow in Curved Air di Terry Riley. Azure Azure collega due mondi rivelando che l'alter ego del suo vortice nebuloso di musica concreta è un selvaggio assolo di glissando Jimi Hendrix-iano; e successivamente realizzato facendo affogare questa creatura a due teste in un buco nero. In questo album Hecker esplora un gran numero di generi narrativi. Jimmy mostra come la tecnica di usare loop semplici può essere usata per creare un pezzo con abbastanza dinamiche per essere definito "canzone". I'm Transmitting Tonight mette in evidenza la capacità di variazione in un contesto stabile. 7000 Miles giustappone un primo piano estremamente visibile ad uno sfondo confuso che non è percepito immediatamente, ognuno recante forti risvolti psicologici. Careless Whispers racconta una storia che evolve da una pulsante oscurità in una sibilante luminescenza. La concludente Trade Winds White Heat, intende dissolvere una semplice sonata in una statica radio interferenza.

Mirages (Alienate, 2004) e Mort Aux Vaches (Staalplaat, 2004) opera la stessa magia ma in scala ridotta.

Il suo progetto techno e hip-hop Jetone pubblicò Autumnmonia (Pitch Cadet, 2000), che contiene l'affascinante Shear/Refract, e Ultramarin (Force Inc, 2001), che contiene Phoedra IV.

Harmony in Ultraviolet (Kranky, 2006) segna un'ulteriore raffinatezza delle abilità in studio di Hecker ma in qualche modo non arrivano allo stesso grado di eleganza e raffinatezza dei primi lavori. L'album occasionalmente crea atmosfere intense: la densa massa fluttuante di Stags Aircraft Kings and Secretaries, la ragnatela metallica fibrillante Dungeoneering, la trasmissione distorta simil-glissando di Radio Spiricom, la violenta distorsione melodica di Whitecaps of White Noise I, che suona come un remix di un pezzo barocco fatto da un serial killer (anche Chimeras evoca una sensazione barocca), e le quattro parti sbiadite di Harmony in Blue. Ma per lo più rimangono isolati iceberg di contenuto senza emozioni, incuranti di quanto interessanti dovrebbero essere le qualità dei suoni. I brani più corti, inoltre, suonano perfettamente ridondanti. Hecker fallisce nel raccontare una storia. La sua musica suona come l'equivalente di un un artigiano che posa i suoi attrezzi puliti sul tavolo. Hecker dimentica di fare il passo successivo: costruire qualcosa con quegli attrezzi.

Il 10" mini-album Atlas One (Audraglint, 2007) offre una delle sue migliori sinfonie "concrete".

Fantasma Parastasie (Alien8 Recordings, 2008) è una collaborazione fra Aidan Baker e Tim Hecker.

Il suo lavoro più delicato e meditativo, An Imaginary Country (Kranky, 2009) è come una collezione di sketch di sonate romantiche. Il suo marchio di "romanticismo" rimane uno abbastanza tagliente, ma gli scampi noise per chitarra, synth e laptop sono stati rimpiazzati da costrutti più umani grazie a mellotron e archi, e da una tendenza generale per il contatto più che per lo scontro. Questo significa anche che Hecker si affida maggiormente sul droning e la ripetizione, che inevitabilmente suonano monotoni o contorti, e solo occasionalmente (Sea Of Pulses) raggiungono pathos emozionali. Il lugubre crescendo di Where Shadows Make Shadows ne è un esempio: non fa altro che ripetersi per otto minuti con leggere variazioni.

The single Apondalfia (Part 1 + 2) (Room 40, 2010) was more invigorating than anything on the previous album.

Even at his most trivial, very few electronic soundscapes can sound so alive as Hecker's. The lugubrious and massive collage of Ravedeath, 1972 (Kranky, 2011), recorded in a church in Iceland, is emotional and melodramatic despite being wordless. There is a strong narrative feeling that pervades the ebbing and flowing of his sonic UFOs, like a silent movie with unfamiliar characters. The music is mostly built around the church's pipe organ and arranged with synthesizer, piano and electronic noise, basically a set of "interferences" by alien instrumentation with the sacred sound of the organ. The three-movement suite In the Fog performs mesmerizing metamorphoses: a glacial organ drone calls together a crowd of unrelated sounds inducing a gentle cacophony like of an orchestra that is tuning their instruments; an accelerated minimalist repetitive pattern collides against a rising smokestack-like hiss but eventually triumphs; another glacial drone splits into harsher drones and another repetitive ticking, reaching a peak of noise and pathos before a melancholy death. Like many of these composers, Hecker is weak in staging the endings: each piece evolves in an intriguing manner but doesn't quite know how to end. Hence, the dyptich: Hatred of Music unleashes a dense, revolving, symphonic cluster (a tragic zenith of the album) but its second part is simply a slow and pointless fadeout. The three movements of In the Air are progressively more tense: the embryonic chaos of the first one leads to the noisy conflagration of the second that decays into the feeble piano sonata of the third. The contrast between the violent wall of sound and the emerging piano sonata (only hinted at, never completed) is particularly effective. These are compositions of austere chamber electronica.
Meanwhile, the subdued and barely articulate No Drums, Analog Paralysis 1978 and Studio Suicide 1980 recall the most psycho-ambient Brian Eno of the 1980s. The Piano Drop In the Fog I In the Fog II In the Fog III No Drums Hatred of Music I Hatred of Music II Analog Paralysis, 1978 Studio Suicide, 1980 In the Air I In the Air II In the Air III

The companion album, Dropped Pianos (Kranky, 2011), collects the sketches used to plan Ravedeath, 1972.

(Translation by/Tradotto da Davide Carrozza)

Il singolo Apondalfia (Part 1 + 2) (Room 40, 2010) è più rinfrescante di qualsiasi cosa del precedente album.

Anche nei momenti più banali, pochissimi panorami elettronici possono suonare vivi come quelli di Hecker. Il denso collage di Ravedeath, 1972 (Kranky, 2011), registrato in una chiesa in Islanda, è emozionale e melodrammatico nonostante sia senza parole. C'è un forse senso di narrativa che pervade il continuo rifluire dei suoi UFO sonori, come in un film muto con personaggi che non conosciamo. La musica si basa per lo più sull'organo a canne ed è arrangiata per sintetizzatore, piano e rumori elettronici, in pratica una strumentazione aliena "interferisce" nel suono sacro dell'organo. I tre movimenti di In the Fog, quelli di In the Air e il dittico Hatred of Music confinano con l'elettronica da camera, mentre Studio Suicide 1980 e Analog Paralysis 1978 ricordano il Brian Eno più psico-ambient degli anni '80.

L'album associato, Dropped Pianos (Kranky, 2011), raccoglie gli appunti usati per comporre Ravedeath, 1972.

Virgins (Kranky, 2013), a vastly inferior work of his catalog, is a hodgepodge of trivial and poorly executed ideas. Ostensibly assembled from live performances on acoustic instruments, the pieces simply reenact facile stereotypes of the minimalist avantgarde (a pulsing clockwork of pianos in Virginal, a jungle of incestuous drones in Radiance, ripples of echoes in Stigmata II, etc) and sometimes employ a massive sound to disguise the lack of ideas (as in Live Room). Hecker is a master at turning the slightest sound into a gloomy sign, but even his skills cannot lift these half-baked pieces out of emotional mediocrity.

The sound sculptures of Love Streams (4AD, 2016) follow a novel strategy. Opener Obsidian Counterpoint doesn't give it away, but it already sounds like a medieval melody played on a flute marching towards an abyss of musique concrete. Music of the Air fully reveals the concept: fragments of singing drift in and out of a carpet of dissonant electronics and droning electronics. Hecker's machines intone melodies of medieval liturgical hymns (mostly composed by Johann Johannsson) and, being machines, they turn such melodies into mathematical formulas. The concept picks up steam with the fluttering Violet Monumental I and the mechanical Violet Monumental II, two "presto" movements that build up momentum. Castrati Stack leaves the voices intact as much as possible, and turns out to be a highlight. Collapse Sonata seems to belong to a different album: a remix of spaghetti western soundtracks. The darker, ominous Black Phase sounds like the overture of a doom-metal suite (that never happens). As usual, Hecker's music is painstakingly assembled. As usual, it doesn't get anywhere: there is no narrative, emotional, conceptual development. You have to content yourself with admiring the technique.

Konoyo (2018) contains computer remixes of Tokyo Gakuso, a Japanese ensemble that plays the Japanese imperial court music called "gagaku". The 17-piped mouth organ sho and the bamboo flute ryuteki are methodically deformed in This Life, a bacchanal of warped, dissonant, quasi-psychedelic drones. Some kind of percussion becomes a dirty reverbed hiss in In Death Valley. In Mother Earth Phase manages to be evocative like a prog-rock suite of the 1970s by amplifying the emotional aspects of the string instruments. But, removed from its context and horribly dilapidated, the music of the eight-minute Keyed Out sounds anemic and pointless and the 15-minute Across To Anoyo is repetitive to the point of being 14 minutes too long. Overall, this is a rather trivial exercise, of little or no artistic value, and a pretty tedious listening. One can only imagine how much more interesting the original music must have been.

Anoyo (2019) is another remix of the same gagaku music, except that this time Hecker lets the original tones stick out more often off his glitchy molasses. The result is a calmer, more spiritual form of electroacoustic music, and, when wed to noisy neurosis like in You Never Were, it accomplishes the unfinished mission of Konoyo. The problem remains that, wherever the electronics prevails (like in the second half of That World), it sounds trivial and amateurish, not an achievement for someone who has been manipulating sound for 20 years. You Never Were is probably better than any composition of Konoyo but at least half of Anoyo sounds like unfinished leftovers of Konoyo.

(Translation by/ Tradotto da Cristiano Olivari)

Virgins (Kranky, 2013), un lavoro molto inferiore del suo catalogo, è un miscuglio di idee banali e scarsamente eseguite. Apparentemente assemblate da performance dal vivo di strumenti acustici, i pezzi ricreano banali stereotipi dell’avant-garde minimalista (un orologio pulsante di piani in Virginal, una giungla di droni incestuosi in Radiance, increspature di echi in Stigmata II, ecc) e a volte impiegano un suono imponente per mascherare una mancanza di idee (come in Live Room). Hecker è un maestro nel trasformare il minimo suono in un segnale cupo, ma anche le sue abilità non possono elevare questi pezzi fatti a metà dalla loro mediocrità emotiva.


Le sculture sonore di Love Streams (4AD, 2016) seguono una strategia innovativa.

L’apertura dell’album Obsidian Counterpoint non lo dà a vedere, ma suona già come una melodia medievale suonata da un flauto marciante verso un abisso di musique concrete. Music of the Air rivela completamente il concetto: frammenti di canto alla deriva di un tappeto di elettronica dissonante e droni eletronici. Le macchine di Hecker intonano melodie di liturgia medievale (principalmente composte da Johan Johannsson) e, essendo macchine, trasformano queste melodie in formule matematiche. Il concetto prende piede con la fluttuante Violet Monumental I e la meccanica Violet Monumental II, due movimenti in “presto” che creano momento. Castrati Stack lascia le voci più intatte possibile, e si rivela essere un momento saliente. Collapse Sonata sembra appartenere ad un altro album: un remix di soundtrack di spaghetti western. La cupa e minacciosa Black Phase suona come un’apertura di una suite doom-metal (ma ciò non avviene). Come sempre, la musica di Hecker è minuziosamente assemblata. Come sempre, non va da nessuna parte: non c’è alcuna narrativa, uno sviluppo emotivo o concettuale. Dovrai accontentarti di ammirare la tecnica.


Konoyo (2018) contiene remix al computer di Tokyo Gakuso, un ensemble giapponese che suona la musica della corte imperiale giapponese chiamata “gagaku”. L’organo a 17 canne a bocca sho e il flauto di bambù ryuteki sono sfigurati metodicamente in This Life, un baccanale di droni dissonanti, deformati e quasi psichedelici. Alcuni tipi di percussione diventano uno sporco fruscio riverberato in In Death Valley. In Mother Earth Phase riesce ad essere evocativa come una suite prog-rock degli anni 70 amplificando gli aspetti emotivi degli strumenti a corde. Ma, rimossa dal contesto e orribilmente fatiscente, Keyed Out suona anemica e senza senso e Across To Anoyo di 15 minuti in lunghezza è così ripetitva da essere 14 minuti più lunga del dovuto. Complessivamente questo è un esercizio banale di poca o nulla validità artistica ed un ascolto abbastanza tedioso. Un ascoltatore può solamente immaginare come possa essere stata molto più interessante la musica originale.


Anoyo (2019) è un altro remix della stessa musica gagaku, eccetto che questa volta Hecker lascia che i toni originali escano più spesso dalle sue melasse glitchate.

Il risultato è una musica elettroacustica più calma e spirituale e, quanto viene accostata a neurosi rumorose come quella di You Never Were, realizza la missione incompleta di Konoyo. Il problema resta che, dove l’elettronica prevale (come nella seconda parte di That World) suona banale ed amatoriale, non un traguardo per qualcuno che ha manipulato il suono per 20 anni. You Never Were è probabilmente migliore di ogni composizione di Konoyo ma almeno metà di Anoyo sembra un avanzo incompleto di Konoyo.

(Copyright © 2003 Piero Scaruffi | Terms of use)
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